Bandfoto: Luca @neverending.light
Monarchist-Frontmann René Schmitz spricht über das neue Album Life Noir, Songwriting, Selbstzweifel und die Kunst, sich treu zu bleiben.
Monarchist frontman René Schmitz talks Life Noir, songwriting, self-doubt, and the art of staying true to yourself.
Geführt und verfasst von Mia Lada-Klein
Am 24. April erschien Life Noir, das neue Album von Monarchist – eine Band, die lieber weiterdenkt, als sich in Schubladen stecken zu lassen. Mit ihrem atmosphärischen Sound zwischen düsterem Rock, dezenten Postpunk-Spritzern sowie Metal-Einflüssen und einer Prise Alternative wagen sie sich abseits ausgetretener Pfade.
Doch wer genau steckt hinter Monarchist? Welche Geschichten, Gedanken und Emotionen fließen in ihre Musik ein? Was treibt sie an, was treibt sie um?
Frontmann René Schmitz hat uns Einblick gegeben: in Songwritingprozesse, Selbstzweifel, Coverversionen – und in die Kunst, seine eigene Stimme zu finden.
Kommen wir doch direkt mal zu meinen Lieblingsliedern auf eurem Album – die drei, die es für mich wirklich geschafft haben, sind „Astronaut“, „Life in the Jungle“ und „Mind in the Box“. Und letzterer erinnert mich irgendwie ein bisschen an Bad Religion – das war so meine Assoziation. Vielleicht starten wir einfach mal direkt mit den Songs: Worum geht es in ihnen? Was denkst du über sie? Und hast du eigentlich auch persönliche Favoriten? Ich weiß, es sind alles deine „Babys“, aber meistens gibt es ja doch den einen Song, der besonders hervorsticht.
Ja, ich fange mal mit der letzten Frage an. Mein aktueller Favorit ist tatsächlich „Into the Ivory Tower“. Laut deinem Review, war das nicht unbedingt einer deiner Top-Songs, aber witzigerweise war das der Song, bei dem ich zwischenzeitlich dachte: Wenn wir einen streichen müssten, dann wäre es der. Das war noch in der Demo-Phase. Als er dann final aufgenommen wurde – ich habe ihn noch einen Halbton höher eingesungen – hat er für mich ganz anders funktioniert. Vielleicht lag’s an der Performance oder an der Produktion. Jedenfalls ist er mir sehr ans Herz gewachsen. Er ist auch sehr persönlich, weil ich darin eine emotionalere Seite von mir zeigen kann. Ich habe den Song mittlerweile tausendmal gehört – wie alle –, aber bei dem freue ich mich trotzdem immer noch, wenn ich ihn höre. Ein anderer Favorit ist auf jeden Fall „Astronaut“. Auch den höre ich noch relativ oft, obwohl ich ihn eigentlich schon fast totgehört habe. Aber wie du schon sagst: Es sind eben alles meine „Babys“, schwer da eine klare Nummer eins zu benennen.
Magst du uns erzählen, worum es in „Astronaut“ geht?
Ich würde sagen, das ist wahrscheinlich der persönlichste Song auf dem Album. Man könnte ihn fast als Breakup-Song bezeichnen. Ich habe ihn schon vor fünf Jahren geschrieben – in der Zeit, in der meine damalige Beziehung zu Ende ging. Eigentlich war der Song sogar noch davor entstanden, aber er beschreibt dieses Gefühl der Entfremdung ziemlich gut. Ich hatte das Bild eines Astronauten im Kopf, der langsam ins All davon schwebt – genau so habe ich mich damals gefühlt. Rückblickend merke ich oft, dass ich in solchen Songs Emotionen verarbeite, ohne es beim Schreiben direkt zu merken. Es gibt zum Beispiel die Zeile: „For every good day, one is bad“ – das beschreibt diesen Zwiespalt ganz gut. Wenn man sich nicht trennt, weil etwas Schlimmes passiert ist, sondern weil man sich einfach auseinanderentwickelt.
Das ist eine sehr schöne Bildsprache. Hast du beim Songwriting auch immer Bilder und Geschichten im Kopf?
Ich mag es, mit Storytelling zu arbeiten. Ein Motiv wie „Astronaut“ bietet sich dafür an – nicht nur textlich, sondern auch soundtechnisch. Der Song beginnt zum Beispiel mit sehr fernen Vocals, die klingen, als würde jemand im All schweben. Dann kommen sie immer näher, werden klarer, emotionaler. Du hattest in deinem Review etwas Spannendes geschrieben, dass der Song in sich zusammenbricht – das habe ich so selbst nie bewusst gesehen, aber es passt perfekt. Diese Zerbrechlichkeit, dieser Moment, in dem die Beziehung zerbricht, ist für mich auch im Song hörbar. Trotzdem findet man danach wieder zusammen oder sich selbst – das ist ja oft so.
Ist das ein Song, der euren Sound gut repräsentiert?
„Astronaut“ repräsentiert nicht unbedingt unsere ganze musikalische Bandbreite, aber ich würde ihn trotzdem Leuten zeigen, wenn sie fragen, was wir für Musik machen. Er ist sehr gelungen, auch wenn er stilistisch eher alternativ ist – ein bisschen 2000er-Alternative-Metal, auch relativ poppig. Ich hab zu der Zeit viel Linkin Park gehört, aber auch Hip-Hop, und das spiegelt sich im Song wider. Der Aufbau ist ziemlich simpel – er beginnt mit vier Akkorden, dann wechselt die Tonart, ohne dass sich die Gesangsmelodie verändert. Das fand ich einen interessanten Kniff. Und dann ist da noch der Breakdown – eher untypisch für uns, aber irgendwie hat es sich richtig angefühlt, den einzubauen. Vielleicht war das auch so ein bisschen der Wunsch, ihn live zu spielen und richtig einen rauszuhauen.
Wie gesagt, einer meiner absoluten Favoriten. Genauso wie „Life in the Jungle“. Erzähl doch mal, wie der entstanden ist.
Wie die meisten Songs auf dem Album ist auch der während der Corona-Zeit entstanden – also auch schon vor etwa fünf Jahren. Der hat allerdings eine ganze Weile gebraucht, bis er seine endgültige Form gefunden hat. Ich glaube, ich habe 2023 immer noch daran herumgeschraubt. Den Titel „Life in the Jungle“ fand ich einfach cool, der spukte schon länger in meinem Kopf herum. Oft entstehen bei mir Songs rund um einen Titel – wenn ich einen starken Titel habe, fängt der Song quasi schon an zu leben. Die Idee mit dem Dschungel kam unter anderem von einer Folge How I Met Your Mother. Ich hatte die Serie geschaut – Klassiker –, und da gibt es diese eine Szene, in der Marshall bei so einer typischen Macho-Firma anfängt. Das passt gar nicht zu ihm, und er vergleicht die Mitarbeiter dann mit Gorillas, dazu läuft Trommelmusik. Das hat mich inspiriert – ich dachte, so ein rhythmischer Einstieg würde gut zu einem Song mit dem Titel „Life in the Jungle“ passen. Inhaltlich geht es im Song um Konkurrenzkampf, um Ellenbogengesellschaft. Darum, dass viele Menschen sich vergleichen und übertrumpfen wollen – und dabei den Blick dafür verlieren, dass jeder individuell ist. Das wurde mir erst später so richtig bewusst, aber es passt gut.
Was ist dir dabei wichtig?
Mir liegt sehr viel daran, Offenheit gegenüber anderen Lebensweisen und Meinungen zu zeigen. Ich finde es schade, wenn Menschen in Schwarz-Weiß-Kategorien denken. Wir wachsen als Menschen, wenn wir uns mit anderen Ansichten auseinandersetzen – auch wenn wir ihnen nicht zustimmen.
Offenheit, Selbstakzeptanz, Empathie – das sind Themen, die sich bei dir ganz offensichtlich durchziehen. Aber jetzt frage ich mal ganz kritisch nach: Wie sehr könnt ihr als Band wirklich ihr selbst sein – in einer Zeit, in der Streamingzahlen, Playlists und Algorithmen den Ton angeben?
Das ist ein echter Spagat. Natürlich will man Leute erreichen, das beeinflusst schon das Songwriting. Ich würde nie gezielt einen Popsong schreiben, aber ich achte inzwischen mehr auf Einstieg und Aufbau. Zum Beispiel beginnt ein Song bei uns jetzt mal direkt mit Vocals – bei Metallica oder Black Sabbath wäre das untypisch, da kommt meist erst ein langer Aufbau.
Also eher auf den Punkt kommen?
Genau. Die Songs auf dem aktuellen Album sind deutlich kürzer. Das liegt einerseits daran, dass ich’s selbst knackiger mag – aber auch daran, dass die Aufmerksamkeitsspanne heute einfach kürzer ist. Wenn man etwas zu sagen hat, muss man die Leute direkt abholen.
Trotzdem sagst du, du würdest dich nie verbiegen.
Nein, nie. Ich veröffentliche nur Songs, hinter denen ich zu 100 Prozent stehe. Aber ich will das, was mir wichtig ist, mit möglichst vielen Menschen teilen – dafür mache ich Musik.
Also wenn Universal dir heute einen Deal anbietet, aber du müsstest eine Cap tragen, Baggy-Jeans und nur noch Hip-Hop machen, dann würdest du sagen: “Danke, nein!”?
Dann sag ich: Vielen Dank, aber nicht mit Monarchist. Wenn ich privat auch mal in andere Richtungen gehe – zum Beispiel schreibe ich auch gern andere Songs –, dann gern, aber nicht mit diesem Projekt. Monarchist hat ein klares Profil, das sich entwickeln darf, aber keine 180-Grad-Wendung machen soll. Mit einem anderen Projekt wäre das aber vielleicht vorstellbar.
Du bist ja auch in anderen musikalischen Projekten aktiv – daher kenne ich euch überhaupt erst. Besonders euer Cover von Mary On A Cross (Ghost) hat es mir angetan. Ich habe eure Version wirklich in Dauerschleife gehört – und ganz ehrlich: Für mich funktioniert sie sogar besser als das Original. Ich weiß, solche Aussagen polarisieren schnell – manche werden vermutlich die Stirn runzeln und sich fragen, wie man Ghost übertreffen kann. Der Song ist großartig, keine Frage. Dennoch finde ich: Manchmal wird eine starke Idee von jemand anderem einfach noch eindrucksvoller umgesetzt. Eure Interpretation trifft mich emotional stärker.
Vielen Dank dafür. Früher habe ich tatsächlich viel gecovert, auch mal Klavier oder Schlagzeug gespielt. Aber während der Albumaufnahmen wurde das zu viel. Ich arbeite Vollzeit, bin in einer Beziehung, habe Hobbys wie Sport und Fotografie. Da musste ich Prioritäten setzen – und Monarchist steht da eben ganz oben.
Kommen wir mal zu deiner Stimme – deine hat definitiv Wiedererkennungswert. Sie fällt auf. Ich höre dich wirklich sehr gerne. Dieses Kompliment muss ich mal loswerden. Es gibt heutzutage viele gute Sänger, aber wenige mit so einer markanten Stimme. Was machst du für deine Stimmpflege? Hattest du Gesangsunterricht?
Vielen lieben Dank! Das freut mich wirklich sehr – gerade weil ich wahrscheinlich einer der Sänger bin, die oft an ihrer Stimme zweifeln. Es gibt da draußen einfach so viele Stimmen, die man als „klassisch gut“ bezeichnen würde, und meine gehört vielleicht nicht direkt dazu. Umso mehr bedeutet mir so ein Feedback. Ich habe tatsächlich erst sehr spät angefangen, mich mit meiner Stimme aktiv auseinanderzusetzen. Als Kind habe ich super gerne gesungen – es gibt da ein Video von meinem Opa-Geburtstag, da war ich vielleicht drei Jahre alt, konnte kaum sprechen, aber hab lauthals „Wie schön, dass du geboren bist“ geschmettert (lacht). Das war total süß. In der Pubertät habe ich dann allerdings komplett aufgehört zu singen. Ich habe nie Gesangsunterricht genommen, war nie im Chor, da war einfach zu viel Unsicherheit da. Erst später – so mit Anfang 20 – habe ich dann im Auto wieder angefangen zu singen. Ich habe viel Iron Maiden gehört, aber der ist halt Tenor – das konnte ich gar nicht singen. Ich dachte also lange, meine Stimme sei „nicht gut“, weil ich diese Songs nicht erreicht habe.
Das klingt nach einer spannenden Entwicklung. Wie kam es dann dazu, dass du heute der Sänger deiner Band bist?
2018 haben wir die Band gegründet, und ich war eigentlich als Schlagzeuger eingeplant. Aber irgendwann hieß es: „Wir finden keinen Sänger.“ Und ich war derjenige, der die Songs geschrieben hat, die Texte, also dachte ich: Ich probier’s einfach. So bin ich dann irgendwie reingewachsen. Dass ich mal Frontmann werde – das hätte ich wirklich nie gedacht. Es hat auch eine Weile gedauert, bis ich wirklich meine Stimme gefunden habe. Wenn ich mir alte Demos anhöre, klingt das heute echt komisch. Aber ich würde sagen, so 2021 hat sich das entwickelt. Ich hatte dann tatsächlich dreimal Gesangsunterricht – das war dieses Jahr.
Danke, René, für deine Offenheit und dafür, dass du uns ein Stück mitgenommen hast – in eure Klangwelt und deine Gedanken.
𝐄𝐧𝐠𝐥𝐢𝐬𝐜𝐡𝐞 𝐕𝐞𝐫𝐬𝐢𝐨𝐧:
Monarchist: Between Melancholy and Rebellion
On April 24th, Life Noir, the new album by Monarchist, was released – a band that prefers to keep pushing boundaries rather than fitting into neat categories. With their atmospheric sound blending dark rock, subtle post-punk elements, touches of metal, and a hint of alternative, they boldly venture off the beaten path.
But who exactly are Monarchist? What stories, thoughts, and emotions feed into their music? What drives them, what keeps them awake at night?
Frontman René Schmitz gave us an inside look into their songwriting process, moments of self-doubt, cover versions — and the art of finding his own voice.
Let’s jump right into my favorite songs from your album – the three that really stood out to me are “Astronaut,” “Life in the Jungle,” and “Mind in the Box.” The last one somehow reminds me a bit of Bad Religion – that was my association. Maybe we start directly with the songs: What are they about? What do you think about them? And do you have any personal favorites? I know they’re all your “babies,” but usually there’s one song that stands out in particular.
Yeah, I’ll start with that last question. My current favorite is actually “Into the Ivory.” According to your review, that wasn’t exactly one of your top songs, but funny enough, that was the song I thought we might cut during the demo phase. When it was finally recorded – I sang it half a tone higher – it worked completely differently for me. Maybe it was the performance or the production. Either way, it really grew on me. It’s also very personal because I can show a more emotional side of myself in it. I’ve listened to that song a thousand times now – like all the others – but I still look forward to hearing it every time. Another favorite is definitely “Astronaut.” I still listen to that one quite often, even though I’ve probably played it to death. But as you said: they’re all my “babies,” so it’s hard to pick a clear number one.
Can you tell us what “Astronaut” is about?
I’d say it’s probably the most personal song on the album. You could almost call it a breakup song. I wrote it about five years ago – during the time when my previous relationship was ending. The song actually existed even before that, but it describes that feeling of alienation pretty well. I had the image of an astronaut slowly drifting off into space – that’s exactly how I felt back then. Looking back, I often realize that I process emotions in such songs without noticing it while writing. For example, there’s the line: “For every good day, one is bad” – which really captures this ambivalence. Sometimes people don’t separate because something terrible happened, but because they simply grew apart.
That’s a very beautiful imagery. When you write songs, do you always have pictures and stories in mind?
I like working with storytelling. A motif like “Astronaut” lends itself well – not only lyrically but also sonically. The song, for example, starts with very distant vocals, as if someone is floating in space. Then they come closer, become clearer, more emotional. You wrote something interesting in your review, that the song collapses on itself – I never consciously saw it that way, but it fits perfectly. That fragility, the moment when the relationship breaks down, is audible for me in the song. Yet afterward, they find each other again or themselves – that often happens.
Is this a song that represents your sound well?
“Astronaut” doesn’t necessarily represent our entire musical range, but I would still show it to people if they ask what kind of music we make. It’s very well done, even if stylistically it’s more alternative – a bit of 2000s alternative metal, also quite poppy. I listened to a lot of Linkin Park back then, but also hip-hop, and that is reflected in the song. The structure is quite simple – it starts with four chords, then the key changes without the vocal melody changing. I thought that was an interesting twist. And then there’s the breakdown – rather unusual for us, but somehow it just felt right to include it. Maybe it was also the wish to play it live and really bring it home.
Like I said, one of my absolute favorites. Just like “Life in the Jungle.” Tell me how that one came about.
Like most songs on the album, it was also written during the Corona time – so about five years ago. But it took quite a while to find its final form. I think I kept tweaking it in 2023. I just thought the title “Life in the Jungle” was cool; it had been in my head for a while. Often songs start for me around a title – if I have a strong title, the song almost starts to live by itself. The jungle idea partly came from an episode of How I Met Your Mother. I had been watching the series – classic – and there’s this one scene where Marshall starts at a typical macho company. It’s not a fit for him, and he compares the employees to gorillas, with drum music playing. That inspired me – I thought a rhythmic intro would fit well with a song called “Life in the Jungle.” Lyrically, the song is about competition, the cutthroat nature of society. About how many people compare themselves and try to outdo each other – losing sight that everyone is an individual. I only became truly aware of that later, but it fits well.
What is important to you about that?
It means a lot to me to show openness toward different lifestyles and opinions. I find it sad when people think in black-and-white categories. We grow as human beings when we engage with other perspectives – even if we don’t agree with them.
Openness, self-acceptance, empathy – those are obviously recurring themes for you. But now let me ask critically: How much can you really be yourselves as a band – in times where streaming numbers, playlists, and algorithms call the shots?
That’s a real balancing act. Of course, you want to reach people, and that does influence songwriting. I would never intentionally write a pop song, but I do pay more attention now to intros and structure. For example, nowadays one of our songs might start directly with vocals – with Metallica or Black Sabbath that would be unusual because usually there’s a long intro.
So, more getting to the point?
Exactly. The songs on the current album are noticeably shorter. That’s partly because I like things more concise – but also because people’s attention spans are simply shorter today. If you have something to say, you have to grab people right away.
Still, you say you’d never compromise yourself?
No, never. I only release songs I stand behind 100 percent. But I want to share what’s important to me with as many people as possible – that’s why I make music.
So if Universal offered you a deal today, but you’d have to wear a cap, baggy jeans, and do only hip-hop, you’d say: “Thanks, but no thanks”?
Then I’d say: Thanks, but not with Monarchist. If I privately want to explore other directions – for example, I like writing other kinds of songs – that’s fine, but not with this project. Monarchist has a clear profile that can develop, but it shouldn’t do a 180-degree turn. With another project, that might be possible.
You’re active in other musical projects too – that’s how I even got to know you. Especially your cover of “Mary On A Cross” (Ghost) really got me hooked. I listened to your version on repeat – honestly, for me it even works better than the original. I know such statements tend to polarize – some might raise an eyebrow and wonder how you can top Ghost. The song is amazing, no question. But sometimes a great idea from someone else is just executed even more impressively. Your interpretation hits me emotionally stronger.
Thank you very much for that. I used to do a lot of covers, also played piano or drums. But during the album recordings that became too much. I work full time, I’m in a relationship, I have hobbies like sports and photography. So I had to set priorities – and Monarchist is definitely at the top.
Let’s talk about your voice – it definitely stands out. I really enjoy listening to you. I have to say that. Nowadays there are many good singers, but few with such a distinctive voice. How do you take care of your voice? Have you had singing lessons?
Thank you so much! That really means a lot – especially because I’m probably one of those singers who often doubts their own voice. There are so many voices out there you’d call “classically good,” and mine might not be one of them. So that kind of feedback means a lot to me. I actually started focusing on my voice quite late. As a kid, I loved singing – there’s a video from my grandpa’s birthday when I was maybe three years old, barely speaking yet, but singing loudly “Wie schön, dass du geboren bist” (laughs). That was super cute. But during puberty I completely stopped singing. I never took singing lessons or joined a choir; there was just too much insecurity. Only later – around my early 20s – I started singing again in the car. I listened a lot to Iron Maiden, but the singer is a tenor – I couldn’t sing that. So for a long time I thought my voice was “not good” because I couldn’t reach those songs.
That sounds like an exciting development. How did it come about that you are the singer of your band today?
We founded the band in 2018, and I was actually supposed to be the drummer. But at some point, they said: “We can’t find a singer.” And since I was the one who wrote the songs and lyrics, I thought: I’ll just give it a try. So I somehow grew into it. I never imagined I’d become the frontman. It also took a while until I really found my voice. If I listen to old demos, they sound really strange today. But I’d say around 2021, it developed. I actually had singing lessons three times – this year.
Thank you, René, for your openness and for taking us along – into your sound world and your thoughts.
Weitere Informationen zur Band Monarchist findet ihr in den sozialen Medien.
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